gemelos de una sola toma
Gracias a la atmósfera de auténtica bufonada, movimientos excéntricos y la ausencia del glamour, típico para los videos musicales, el clip de OK Go fue uno de los primeros en hacerse viral. “Here It Goes Again” recibió 50 millones de visualizaciones y se volvió el video musical más conocido en el Internet. Ganó el Grammy como el Mejor Video Musical, el premio YouTube como el Mejor Video Creativo, entró en la lista de la revista Time de los mejores audiovisuales de todos los tiempos e, incluso, salió en la serie Los Simpsons. La indudable belleza de la idea y la aparente sencillez de la realización crearon una ola de imitaciones, parodias y adopciones creativas. Dentro de todo este patrimonio se destaca el clip “Americanarama” hecho por el grupo canadiense Hollerado en 2010. En su obra siguieron a OK Go conceptualmente: la cámara estática grabó una coreografía cómica con la imparcialidad documental de una sola toma. En el video los músicos interpretan la canción delante de una gran construcción compuesta de veinte cuatro secciones, en cada una de las cuales un figurante sube una pancarta con un símbolo en el momento exacto. Las pancartas constituyen un mosaico enorme, donde se lee el texto de la canción, los acordes para la guitarra y episodios de videojuegos de 8 bits. Para la sincronización de todos los participantes el director Greg Jardin bajó la velocidad de la canción cuatro veces durante la grabación del video. Esto permitió darles instrucciones a los figurantes y los músicos sobre los movimientos y las pancartas. Curiosamente OK Go y Hollerado tienen otro par de audiovisuales de una toma con una rima significativa. En el 2011 los canadienses sacaron el video para su canción “Got to Lose” basado en una coreografía con paraguas. Tres años después unos bailarines con paraguas (del mismo color rojo!) aparecieron en el video “I Won’t Let You Down” de OK Go.
Tras presentar en 2014 el video para la canción “You and I” los participantes de One Direction casi enseguida fueron acusados de plagio. La compañía australiana Oh Yeah Wow hizo la declaración criticando One Direction por el uso del efecto, que ellos utilizaron un año y medio antes en el clip “Everything You Wanted” del grupo Clubfeet de Melbourne. Se trata de los momentos cuando los participantes del grupo entran dentro de sus copias inmóviles, reavivándolas. Oh Yeah Wow enfatizaron que no tienen nada en contra de la evolución creativa, pero el caso de One Direction, según ellos, se parece más a un robo. Lo consideran aún más ofensivo dado que “Everything You Wanted” fue grabado casi sin presupuesto, y One Direction es uno de los grupos más famosos del planeta, que no sufre por falta de recursos para realizar cualquiera de sus ideas. Se ha comentado que la técnica, usada por Oh Yeah Wow, no es tan original e incluso se enseña en escuelas de cine. Sin embargo, el clip “You and I” tiene demasiadas coincidencias con el video australiano para tomar estos comentarios sin escepticismo: por ejemplo, el episodio dónde un músico de One Direction salta al aire desde un cajón, puesto allí por otro miembro del grupo, es exactamente igual. “La técnica está creada utilizando una combinación de efectos visuales muy conocidos. Nuestro clip fue el primero en utilizar estos trucos de manera conceptual”, – dijo el productor de Oh Yeah Wow Seamus Spilsbury en su entrevista para Daily Mail. A pesar del escándalo, “You and I” ganó en 2015 el equivalente británico del Grammy, Brit Awards, como el Mejor Videoclip Musical Británico, y el director Ben Winston continuó colaborando con One Direction.
El director británico Grant Gee es una figura de importancia en el mundo de documentales. Sus últimas obras: Patience: After Sebald y Innocence of Memories merecidamente recibieron buenas valoraciones de los críticos e invitaciones a los festivales internacionales más grandes. No obstante, para la generación de los ochenta Grant Gee, probablemente, siempre quedará como el autor del rockumentary Meeting People is Easy: la película magistral sobre Radiohead. El director no muestra al grupo y a los músicos como ídolos, que suele ser típico para este género. La obra está llena de momentos conmovedores e, incluso, un poco incómodos. En este artículo nos interesa principalmente el minuto cuarenta y siete: Grant Gee y Radiohead están grabando el clip hecho en una toma para la canción “No Surprises”. El casco del astronauta en la cabeza de Thom Yorke gradualmente se está llenando de agua. La canción está acelerada, pero la apnea tiene que ser bastante larga, así que Yorke no tuvo que actuar la asfixia: se ve perfectamente cómo, con cada siguiente toma, inhala el aire más convulsivamente. Este episodio de la grabación de “No Surprises” es, quizás, el más conocido making-of en la historia. Diecisiete años después apareció una variación interesante a lo que hizo Gee en su video para Radiohead: “Talk Is Cheap” de Chet Faker. A lo largo de tres minutos en el videoclip pasan las cuatro estaciones. La cara del cantante se deshiela de un trozo de hielo, vuelve a la vida por un instante, solo para volver a la eternidad, cubierta por las hojas de otoño. Los autores de este audiovisual – australianos Toby Pike y Pete Stopniak – tienen una fantasía inagotable y un herramental correspondientemente amplio. Para grabar “Talk Is Cheap” escanearon la cabeza de Chet Faker, imprimieron un modelo 3D y grabaron cómo se descongela. Esto permitió después sobreponer la imagen del trozo de hielo derritiendo sobre la cara real de Faker. Los demás efectos se consiguieron con maquillaje.
Este par es, probablemente, el caso más curioso de la familiaridad entre audiovisuales: no se trata de plagio o casualidad, sino de la misma persona desarrollando su propio truco técnico. Es Michel Gondry. Para “Lucas with the Lid Off” Gondry construyó en el plató varios espacios, por los que pasaba la cámara, mientras el protagonista corría detrás para lograr entrar en la siguiente imagen. Para algunas escenas se construyeron, incluso, copias de los mismos decorados, para acortar el recorrido de la cámara y filmar la escena desde diferentes ángulos. En el video “Protection” de Massive Attack el director siguió trabajando con ilusiones espaciales. La casa surrealista que sale en el clip parece alta, cuando en realidad las instalaciones estaban colocadas horizontalmente, y los actores y músicos se tuvieron que colgar de las paredes. Para crear una sensación de pasillos largos utilizaron un sistema de espejos y un proyector para imitar el espacio fuera de la ventana. Más allá, para dejar que la cámara pueda volar de una habitación a otra, algunas partes de la casa se podían mover. El componente técnico del videoclip fue tan complejo que, según los músicos de Massive Attack, no la entendían hasta que Gondry trajo unas piezas de Lego y construyó un modelo del plató. “Lucas with the Lid off” ganó el Grammy en 1994 como el Mejor Video Musical, y el siguiente año “Protection” ganó una nominación similar en MTV Europe Music Award.
“Redundant” de Green Day es un homenaje abierto del director Mark Kohr al cortometraje Tango de Zbigniew Rybczyński (ganador del Oscar del 1983). Los músicos interpretan la canción en una habitación que gradualmente se llena de personajes moviéndose por una trayectoria circular, como en la película de Rybczyński. Sin embargo, en Tango en el momento culminante en la misma habitación hubo treinta y seis personajes, y en el videoclip de Green Day el listón no fue tan alto: sólo trece. Pero entre ellos Dita von Teese. Las repeticiones infinitas y la circularidad similar, pero en el entorno parisino, utilizó el arriba mencionado especialista en clips de una sola toma – Michel Gondry. Explicando que le inspiró para hacer “Come Into My World” de Kylie Minogue, Gondry refirió al truco del ilusionista francés Gérard Majax, que logró meter veinte hilos en el ojo de la misma aguja. Para crear el efecto de la multiplicación mágica de los personajes, Gondry grabó la cantante cuatro veces pasando por el mismo cruce, lleno de figurantes, cada vez ligeramente cambiando las trayectorias de ellos. Después todos los pases se sobrepusieron y transformaron en el videoclip final.
El videoclip “Sea of Love”, que salió en 2013, fue una sorpresa grande para el público ruso: los músicos americanos expresaron su admiración por el grupo “Zvuki Mu”, reproduciendo meticulosamente su video de 1995 para la canción “Grubyi Zakat”. El guitarrista de The National, Bryce Dessner, dijo después que el clip del grupo de Pyotr Mamonov le fue enviado por unos amigos franceses con gustos musicales eclécticos. Los americanos intentaron replicar la obra de Mamonov con la máxima precisión. “Fue completamente loco. Básicamente estás tocando en un sótano con las guitarras conectadas al aire acondicionado, y 30 segundos más tarde entra un niño y empieza a interpretar movimientos de guitarra durante todo el resto del video. Hay tanta ironía en esto”, – compartió Dessner en una de sus entrevistas. Para conseguir el resultado necesario tuvieron que hacer nueve tomas. La parte más difícil e importante – repetir las muecas y movimientos expresivos de Mamonov – cayó sobre Dessner. “Resultó agotador, – admitió el músico, – imagínate que corres durante cuatro minutes con la guitarra encima, y otra vez, y otra vez”. Pero los músicos quedaron contentos con el resultado: una vez Scott Devendorf, incluso, llamó “Sea of Love” su mejor videoclip.
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